英語中的攝影壹詞來源於希臘語φ ω？Phos(光)和γ ρ α φ ι？Graphis(繪畫、繪圖)或γ ρ α η graph η，合起來就是“用光繪圖”的意思。指的是用壹些特殊的設備來記錄圖像的過程。壹般我們用機械相機或者數碼相機拍照。有時攝影也叫照相術，即利用物體反射的光對感光介質進行曝光的過程。有人曾說過壹句精辟的語言:攝影師的能力就是把日常生活中稍縱即逝的平凡事物轉化為不朽的視覺影像。
攝影，俗稱照相，是用照相機在底片上成像，並將底片打印成單張照片，壹張壹張地永久保存。但照片的形象是靜止的、無聲的，只是讓人觀看它的人物和意境，進而理解它的意義。
今天，世界上現存最早的照片可以追溯到1827，出自法國人約瑟夫？尼普之手。
曝光過程
拍照時，光線通過壹個小孔(更多情況下是壹個透鏡組)進入暗盒，在暗盒背面(相對於光的入射方向)的介質上成像。根據實際的光照強度和介質的感光能力，所需的光照時間也不同。在照明過程中，介質受到光的照射。
後期制作
攝影完成後，存儲在介質中的圖像信息必須通過轉換再次被人眼讀取。具體方法取決於感光手段和介質特性。對於膠片相機，會有定影、顯影、放大等化學過程。對於數碼相機來說，需要處理器計算數據，然後通過電子設備輸出。
使用的設備
壹般來說，人們用可見光拍照，相機是最常用的。因為場景和用途不同，相機有很多分類。壹般來說，壹臺相機要保證曝光過程，必須有幾個基本部件，包括:感光介質、成像鏡頭、曝光時間控制機構、膠卷暗盒、存儲介質。
紀實攝影
攝影是為了記錄而誕生的。它誕生後強大的生命力恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術無法比擬或無法替代的。所以，廣義來說，攝影就是記錄。
藝術攝影
隨著攝影的發展，人們不斷在攝影中加入藝術元素，開始產生藝術攝影。它和紀實攝影的區別在於藝術性的高低，但沒有絕對的界限。比如我們拍張照片當身份證，或者留個紀念。壹般影樓拍出來的照片，最多有壹些信息或者記錄價值。然而，50年後的今天，鄭靖康先生為齊白石先生拍攝的畫像仍然是世界上20幅最好的畫像之壹。區別完全在於藝術層面。
圖片攝影
寫真攝影以其優美的畫面語言和優美的設計內涵，壹直是人像攝影的重要表現形式。自從攝影術發明以來，可以說寫真攝影壹直貫穿其中，在攝影史上起到了幾個裏程碑的作用。19世紀下半葉，英國攝影師蘭達拍攝了兩條人生道路的照片，曾被預言為“攝影的新時代即將到來”。在當時攝影還被輕視的情況下，這幅作品因其鼓舞人心的主題和油畫構圖而受到維多利亞女王的高度贊揚。可以說，蘭達在推動攝影被認可為壹門藝術方面貢獻良多，從此，寫真攝影逐漸成為攝影的壹個重要流派。
全息術
全息攝影是指壹種新的攝影技術，它記錄了被攝物體反射波的振幅和相位的所有信息。普通攝影記錄的是物體表面的光強分布，而無法記錄物體反射光的相位信息，因此失去了立體感。全息術以激光為照明光源，將光源發出的光分成兩束，壹束直接射向感光板，另壹束經被攝體反射後射向感光板。兩束光在感光板上疊加產生幹涉，感光板上各點的靈敏度不僅隨強度變化，還隨兩束光的相位相關而變化。因此，全息術不僅記錄了物體上的反射強度，還記錄了相位信息。當人眼直接看這種感光底片時，只能看到像指紋壹樣的幹涉條紋，但如果用激光照射，人眼就可以透過底片看到原被攝物體的三維圖像。即使全息圖像只保留壹小部分，它仍然可以再現整個場景。全息術在工業上可應用於無損檢測、超聲全息術、全息顯微鏡、全息存儲、全息影視等許多方面。
1.繪畫攝影
如畫攝影是二十世紀初在攝影領域蓬勃發展的壹個藝術流派。它起源於十九世紀中葉的英國。
這壹派的攝影師在創作中追求繪畫的效果或“詩情畫意”的境界。它經歷了三個階段:模仿階段；崇尚優雅的舞臺；藝術舞臺。
畫家提出“要出攝影的拉斐爾，攝影的提香。”
繪畫攝影經歷了漫長的發展時期。第壹個繪畫攝影盤是英國畫家希洛(1802-1870)。他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型優雅。1851到1853這段時間是繪畫式攝影的成長期。1869年，英國攝影師HP Robinson(1830-1901)出版了壹本關於攝影的如畫效果的書。他提出:“壹個攝影師必須有豐富的情感和深入的藝術理解，才能成為壹個優秀的攝影師。毋庸置疑，攝影技術的不斷進步和不斷發明激發出更高的目標，這足以讓攝影師更加自由發揮；但是技術的進步不代表藝術的進步。因為攝影本身，無論多麽精致和完整，都只是通向更高目標的壹種腰帶。”為這個學派奠定了理論基礎。
1857年，奧格·雷蘭德(1813-1875)創作了由30多張底片組成的文藝復興風格的作品:兩種生活方式，標誌著繪畫攝影藝術的成熟。
這壹時期的作品大多充滿宗教色彩，包含壹定的隱喻。拍攝時，事先做好草圖，然後利用模型和道具組織安排場景，通過暗房處理。追求照片畫面的繪畫效果。
隨後，繪畫式攝影的內容有所拓展，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍有學院派的規矩，所以顯得節儉、厚重、典雅。
當流派發展到繪畫階段，仍然以追求情感美、意境美、形式美為特征。
因為畫家強調藝術修養:“要想讓攝影在藝術中有地位，攝影師首先要培養審美能力，培養藝術修養。”因此，它的歷史功績是將攝影從最初的機械模仿對象引導到造型藝術領域，促進了攝影藝術的發展。
由於繪畫創作大多脫離現實生活，攝影器材日臻完善，人們對早期美的興趣不斷發展，受到“自然主義”的沖擊，盡管如此，它在今天的攝影藝術殿堂中仍有壹席之地。
這個流派的主要攝影師和作品有:Pledge(？-1896)男爵的宴會，魯濱遜漂流記，寶塔場景；羅賓漢的《當壹天結束的時候，秋天，兩個小女孩，快死了，朱麗葉帶著毒瓶，黎明和日落》；雷蘭德·施洗者，聖約朝霞、伊菲、弗吉尼亞、尤迪特和霍洛芬尼斯的首領；卡梅隆夫人(1815-1897)的托馬斯·卡萊爾和奈達(1820-1910)在彌留之際。
2.印象派攝影
65438年至0899年，法國印象派繪畫的第壹次展覽在英國舉行。在畫家羅賓遜的影響下，他提出了“軟調攝影比銳調攝影更美”的審美標準，倡導“軟調”攝影。這壹流派是繪畫印象主義在攝影領域的反映。
起初，他們用柔焦鏡頭拍攝，用編織紙沖洗和印刷，追求壹種模糊的藝術表現效果。隨著“溴化銀顯影法”和顏料中摻有重鉻酸鹽膠的紙張顯影法的出現，印象派作品從鏡頭成像的控制發展到暗室處理。他們提出“作品應該看起來完全不像照片”，“如果沒有繪畫，就沒有真正的攝影。”
在這壹理論的指導下，印象派攝影師也用畫筆、鉛筆、橡皮對畫面進行處理，刻意改變自己原有的明暗變化，追求“畫”的效果。例如，拉克羅亞創作於1900年的《掃公園的人》就像是在畫布上繪制的炭筆。印象派攝影師完全喪失了自己攝影藝術的特點，所以有人稱之為“模仿派”。可以說是繪畫攝影的壹個分支。
這壹流派的藝術特點是色調灰暗，陰影線條粗糙，裝飾豐富，但缺乏空間感。它的著名攝影師是杜馬斯(？-1937)、普越(1857-1933)、邱恩(1866-1944)、瓦特塞克(1848-1903)。1871-1937)、塗爾幹(1848-1965438)、埃夫雷(1874-1948)、米尊。
3.寫實攝影
寫實攝影是壹個有著悠久歷史的攝影流派，延續至今，仍然是攝影的基礎和主要流派。是寫實創作方法在攝影藝術領域的體現。
這壹流派的攝影師在創作中堅持攝影的紀實特征。在他們看來，攝影應該有“與自然本身平等”的忠誠。只有畫面中的每壹個細節都具有“數學準確性”，作品才能發揮出其他藝術媒體所不具備的感染力和說服力。a .斯蒂格利茨曾說:“只有討論忠誠才是我們的使命。”另壹方面，他們像客觀的鏡子壹樣冷冷地、純粹客觀地反映對象，主張創作要有選擇性，藝術家對反映的東西要有自己的審美判斷。著名的現實主義攝影師劉易斯·海恩曾經說過這樣壹句名言:“我要揭露那些應該被糾正的東西；同時也要反思那些應該表揚的東西。”可以看出，他們主張藝術應該“反映生活”的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大多取自社會生活。藝術風格樸實無華，卻有很強的見證力和提示力。
寫實攝影最早的愛好是1853年英國攝影師菲利普·德拉莫特拍攝的火棉膠紀錄片。後來是60年代末羅斯·芬頓的戰地攝影和威廉·傑克遜的黃石奇觀。1870之後，寫實攝影逐漸成熟，開始將鏡頭轉向社會和生活。比如當時的攝影師巴納多博士，拍下了流浪兒童的悲慘境遇，讓人震撼。
寫實攝影愛好因其巨大的認知功能和非凡的號召力，逐漸在新聞領域占據了自己的位置。20世紀90年代，美國攝影師雅各布·裏斯(Jacob Rees)關於紐約貧民窟生活的作品是這方面的奠基之作。
隨後，現實主義攝影家大量湧現，他們的作品在攝影史上以強烈的真實性和深刻性著稱。比如英國勃蘭特的《采煤者》；美國人r·卡帕的《過世的法國女人被剃光頭發遊街示眾》；法國維斯的《少女》等等，不勝枚舉。
4.自然攝影
1899攝影師彼得·亨利·埃默森針對繪畫式創作的軟肋，發表了題為《自然主義攝影》的論文，抨擊繪畫式攝影是碎片化的攝影，倡導攝影師回歸自然尋找創作靈感。他認為自然是藝術的起點和終點，只有最接近自然、最像自然的藝術才是最高的藝術，他說沒有任何藝術比攝影更準確、細致、忠實地反映自然。“從情感和心理上來說，攝影愛好的效果在於感光材料記錄的不加修飾的鏡頭場景。”該學派的另壹位大師A·L·帕喬說得更清楚:“藝術應該留給藝術家。就我們攝影而言，沒有什麽可以依賴藝術的，要搞獨立創作。”
可見，這種藝術觀念是對繪畫的壹種反作用，促使人們將攝影從學院派的束縛中解放出來，促進了自身特點的充分發揮。
這個學校的創作主題多為自然風光和社會生活。
因為自然主義攝影滿足於描寫現實的表面真實和細節的“絕對”真實，而忽略了對現實本質的挖掘和對表面對象的提煉。總之，它不註重藝術創作和藝術形象的典型性。所以本質上是現實主義的庸俗化。有時會導致對現實的扭曲。
該校著名攝影師有德維森(1856-1930)、威爾金森(1857-1921)、格爾(？-1906)、刮刮樂(1856-？)、Sutcliffe(1859-1940)等。
5.純攝影
純攝影是攝影藝術的壹個流派，成熟於二十世紀初。它的創始人是美國攝影師斯蒂·格裏茲(1864-1946)。他們主張攝影應充分發揮自身的特點和表現，擺脫繪畫的影響，以純粹的攝影技術追求攝影獨特的審美效果——高清晰度、豐富的色調層次、微妙的光影變化、純粹的黑白色調、細致的紋理表現和準確的圖像刻畫。總之，該派攝影師刻意追求所謂的“攝影品質”:準確、直接、微妙、自然地表現被攝對象的光、色、線、形、紋、質，不借助任何其他造型藝術媒介。
1913班展出的《俯瞰紐約》是純學院派的代表作。攝影師從高處俯瞰紐約的壹個廣場。雖然沒有加工和裝飾，但新穎的構圖和獨特的造型令人耳目壹新。再比如E的弗蘭克·K·桑德伯格(frank K Sandberg)，他用多次曝光的方法，避免了單壹作品對空間和時間的限制，在壹幅畫面中描繪了詩人的情感轉換、色調的組合和構圖的變化，很有節奏感。
從某種角度來說，純粹主義者的壹些思想和創作是形式主義和自然主義的“混血兒”，後來演變成了“新客觀主義”。但這種體裁在壹定程度上促進了人們對攝影特點和表現技巧的探索和研究。
這個流派的著名攝影師是斯特蘭德(1890-？)以及團體f 6.2攝影機構中的年輕攝影師，如阿丹斯、根靈漢等。
純派後期的作品發展到線條、圖案、扭曲影像的抽象化，其有影響的攝影家有雅博、斯坦納、史蒂文、埃文斯。
6.新客觀主義攝影
新客觀主義攝影也被稱為“主導攝影”和“新寫實攝影”。是20世紀20年代出現的攝影藝術流派。
這個流派的藝術特色是在平常事物中求“美”。通過特寫、特寫等手段，將主體從整體中“分離”出來，突出顯示主體的某壹細節，準確、真實地刻畫其表層結構，從而達到炫目的視覺效果。它不認為藝術的本質在於對象的本質，所以它的美學思想屬於自然主義。比如攝影師帕喬在1923年用特寫的手法拍攝了火車頭的轉軸，展現了火車頭轉軸在運行時的狀態，由於畫面舍棄了其他細節，給觀眾以強烈的視覺印象。
新客觀主義的理論先驅是斯特蘭德，他對客觀主義的藝術特征作了如下規定:“新客觀主義是攝影的本質，也是攝影的產物和邊界。”他認為攝影“對生活有很強的表現力，需要觀察對事物的眼睛。”為此，不是基於敷衍的流程和操作方法，而是必須使用純攝影。“新客觀主義攝影的先驅是阿傑和史泰欽。實際創始人就是上面提到的帕喬。
帕喬反對攝影依賴繪畫。他強調攝影藝術必須依靠自身的特點，認為攝影的審美價值就隱藏在自身的特點中。只有充分發揮自身的特點，才能創造美。他說:“繪畫應該是畫家隨便畫的，只有根據其固有的特點才能創作出自力更生的攝影作品，繪畫中沒有任何東西可以借用。”
新客觀主義攝影師的成就是促使人們去研究和探索攝影本身的特性，將攝影從審美的虛幻世界拉回現實生活。但由於過分強調對細節材料表面結構的描寫，為後來的抽象攝影提供了萌發的土壤。
1925年前後，由於大口徑小相機的出現，新客觀主義的表現領域有了新的發展，產生了許多肖像作品和反映社會生活和自然景物的作品。
新客觀主義的著名攝影師有桑德(1876-1964)、拉斯基(1871-1956)、黑格(1893-1955)。)、Eft (1874-1948)、韋斯頓亞當斯(？-1902)等。
7.超現實主義攝影
超現實主義攝影是達達主義衰落時期出現在攝影藝術領域的壹個流派，興起於20世紀30年代。
這個學校有嚴格的藝術課程和理論。他們認為，用現實主義的創作方法表現現實世界是古典藝術家早已完成的任務，而現代藝術家的使命是探索人類新的、未被探索的“精神世界”。因此，人的潛意識活動、偶然的靈感、精神變態、夢境都成了超現實主義攝影師刻意表現的對象。
攝影中的超現實主義，和達達攝影師壹樣，以剪刀、粘貼、暗室技術為主要造型手段，將作品中的場景堆積、拼湊、重組，將具體的細節與任意的誇張、變形、省略、象征相結合，創造出壹種介於現實與幻想、具體與抽象之間的超現實“藝術境界”。所以效果是奇怪的，荒誕的，神秘的。
這壹流派的創始人是英國攝影師溫斯頓和美國人布魯蓋爾(1880-1945)。真正的收尾者是英國舞臺攝影師馬可·賓(1905-？)，在自己的創作中，他將“超現實主義”的虛擬現實與真實的現實相結合，創造了壹種既虛幻又真實的境界。比如他創作於1946年的《馬可·賓自畫像》，就是典型的超現實主義作品，四次曝光拍攝——壹次正面、兩面、壹只眼睛。
這壹流派的著名攝影師包括從事超現實主義高光的畫家帕爾汗；畸形的人類攝影師布倫特；人像和宣傳攝影師卡森、布盧門撒爾、洛林、哈爾斯曼、賴藝等。
8.抽象攝影
抽象攝影是第壹次世界大戰後出現的攝影藝術流派。
該派攝影師否認造型藝術以可觀察的藝術形象反映生活、表達藝術家的審美感受，宣稱攝影要“從攝影中解放出來”。
開頭用無底放大法省略了“主體”的細節紋理和豐富色調，做了壹個只顯示其形狀的“光圖”。後來我們發展出或用光，或剪輯高光，或中間曝光，或拍攝時震動相機使底片上的被攝物影像模糊，或反復曝光使其出現鬼影，直到我們改變了畫面的表面結構，改變了被攝物原有的形狀和空間結構，試圖用形式、色調(色彩)和材質的所謂“絕對抽象語言”，把被攝物改造成無法辨認是什麽的線、點、形的組合。來展現這個流派的藝術家們奉為圭臬的人類所謂最真實最本質的潛意識世界。在作品中，被拍攝的對象只是藝術家借用的壹個音符，用來產生壹個隨意表達自己想象力和個性的“旋律”。
抽象攝影的鼻祖是塔爾博特(1800-1877)。當初作品的畫面還是保持了壹定程度的可識別性。到1917年，攝影師被培養出來(1882-？)用木屑和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》，面目全非。1922年，匈牙利抽象畫家莫霍林納基(1895-？)在曼睿(1890-？)等人，並在理論上予以確立。隨後，抽象畫家康定斯基和克勒引進了顯微攝影和x光攝影，極大地拓展了抽象攝影的表現範圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體系，風靡歐美。
除了文章中提到的那些人，還有這個學派的其他代表人物，如司各特、芬寧格、安貞·蘭德、弗萊泰、溫克勒、格裏姆波特、夏德和布魯蓋爾。
9.可比攝影
坎派攝影是第壹次世界大戰後興起的反對繪畫攝影的主要攝影流派。
該派攝影師主張尊重攝影的特性，強調真實和自然，主張拍攝時不要對主體進行操縱或幹擾，主張在自然狀態下把握主體的瞬間情態。法國著名攝影師亨利·卡蒂埃·布列松說:“對我來說，攝影就是記錄壹個事件的意義，以及能在瞬間準確表達它的精確組織形式。”所以這個流派的藝術特點是客觀、真實、自然、親切、隨意、不做作、生動、充滿生活氣息。
就他們的美學思想和創作傾向而言，“侃”派攝影師的處境更為復雜。雖然都提倡人性的表達，大部分從事新聞攝影，但也有自然主義者，有現實主義者。
催生這壹流派的作品是1893年攝影師阿爾弗雷德·斯蒂格拍攝的《紐約第五大道上的冬天》，真正完成它的是德國攝影師埃利希·薩洛蒙博士。他在德國和法國總理舉行的壹次夜間會議結束時用小相機拍攝的羅馬政治會議，因其生動、真實、簡單和自然而成為該體裁攝影史上的經典。
在攝影美學中，他們認為“壹張基於攝影基本特征的照片是畫家或蝕刻師無法模仿的。它有著自己不可分割的自我，有著自己特殊的表現力，甚至有著其他媒介無法表現出來的特點”。其次，對於客觀事物的表現，他們重視和強調原創性，認為:“(攝影師應該用)自己的眼睛去看世界，而不是通過別人的眼睛，而這是區分照片是平庸還是輝煌，有價值還是無價值的標準。”
這個學派的著名攝影師有美國的托馬斯·道·韋爾·邁阿沃伊；英國的賽利特莫代爾；法國的維克多·霍夫曼；還有路易·達爾·沃爾夫，彼得·斯塔克皮爾·布魯維奇等等。
10.“達達主義”攝影
達達主義是壹戰時期出現在歐洲的壹種文學思潮。“達達”原本是法國兒童語言中“小馬”或“玩具馬”的語無倫次的詞匯。達達主義藝術家在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術與審美脫節，主張“拋棄繪畫和壹切審美要求”，崇尚虛無，這使得他們的創作近乎戲謔，所以人們把這個藝術流派稱為“達達主義”。
在這種藝術思潮的影響下，攝影領域也出現了“達達主義”。著名攝影師哈爾斯曼曾經創作了壹幅蒙娜麗莎。她豐滿的手在這裏不僅變得青筋暴起，毛茸茸的，還塞滿了錢。真是可笑又不倫不類。
達達攝影藝術家的創作多采用暗房技術進行編輯加工，創造壹些虛幻的場景來表達自己的想法。例如，LM納基的Leda和Swan將壹個美麗的希臘童話視為壹些模糊、怪誕和不可預測的圖像和線條的組合。在畫面中，視覺形象不再以其自身的意義存在，而只是壹種觀念的構成要素。還有人用編的手段讓尼亞加拉大瀑布湧向紐約，營造出世界末日姜敏的荒涼景象。
由於達達主義的攝影作品不符合人們普遍的審美趣味和要求，所以從1924開始，就逐漸受到了超現實主義藝術流派以清晰完整的藝術豆腐和方案的沖擊。但在後來的現代主義攝影藝術中，仍然可以看到它的影響。
著名的達達主義攝影師包括菲利普·哈爾斯曼、摩根、拉茲洛·莫利納·馮靜恩和利斯特斯基。
11.主觀攝影
主觀攝影是第二次世界大戰後形成的攝影藝術流派，比抽象攝影更“抽象”，因此也被稱為“戰後派”。
它是存在主義哲學在攝影領域的反映。它的創始人是德國攝影師奧特·斯坦內。他認為“攝影是壹個原本就有能力發揮自身作用的廣闊領域，同時也具有高度的主觀能動性。但目前它已經成為壹種機械的現實主義。”於是他提出了“攝影藝術的主觀化”的藝術主張，強烈主張攝影藝術的終極應該是提醒攝影者自己模糊的觀念，表達他們不可言說的內心狀態和潛意識活動。“主觀攝影是個性化和個性化的攝影。這是這所學校的藝術節目。主觀攝影藝術家非常強調自己的創作個性，蔑視壹切現有的藝術規則和審美標準。這個學派的理論家公開表示“主觀攝影不僅是壹種實驗性的影像藝術，而且是壹種自由的、不受限制的創作藝術”，“我們可以利用技術隨意創作照片。"
其特征在於:
1畫面有具象和抽象兩種造型形式，自我概念的表達是其最終目的。畫面中的壹切都只是攝影師表達自己的壹個“載體”。
充分利用鏡頭的透視特性，將主體從現實中“剝離”，並“移動”到畫面中，即利用鏡頭的某些光學性質，將客觀對象轉化為觀念的“物化體”，從而在畫面中組合起來，創造出自己的“世界”。而這個世界往往是荒謬的，神秘的，或者令人費解的。
3利用特寫手段，清晰強烈地強化和突出物體的某壹特定形態。
運用暗室手法，簡化了主體原本豐富的色調，將自然普通的關系轉化為強烈的視覺關系。
5利用曝光手段(如多次曝光、連續閃光)將拍攝對象從時間概念中分離出來，主動交換時間和空間位置的概念。
除了奧特和斯坦內特，他的著名攝影師還有傑伊·施莫爾(Jay Schmohl)、肖·範·奧坎(Shaw Van Ocan)、蘭·佩恩(Lan Payne)和莫·沃爾克特(Mo Volkert)。